ทำงานโดย Sergei Sergeevich Prokofiev: โอเปร่า, บัลเลต์, คอนแชร์โต

2024 ผู้เขียน: Leah Sherlock | [email protected]. แก้ไขล่าสุด: 2023-12-17 05:50

นักแต่งเพลงในประเทศดีเด่น Sergei Prokofiev เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกสำหรับผลงานที่เป็นนวัตกรรมของเขา หากไม่มีเขา ก็ยากที่จะจินตนาการถึงดนตรีของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเขาทิ้งร่องรอยสำคัญไว้: ซิมโฟนี 11 ตัว, โอเปร่า 7 ตัว, บัลเลต์ 7 ตัว, คอนเสิร์ตมากมายและงานบรรเลงต่างๆ แต่ถึงแม้เขาจะเขียนแต่บัลเลต์ "โรมิโอกับจูเลียต" เขาก็คงถูกจารึกไว้ตลอดกาลในประวัติศาสตร์ดนตรีโลกแล้ว

จุดเริ่มต้นของการเดินทาง

ผู้แต่งในอนาคตเกิดเมื่อวันที่ 11 เมษายน พ.ศ. 2434 แม่ของเขาเป็นนักเปียโน และตั้งแต่เด็กปฐมวัยก็สนับสนุนให้ Sergei ชอบเล่นดนตรีโดยธรรมชาติ เมื่ออายุได้ 6 ขวบ เขาเริ่มเขียนเปียโนทั้งวง แม่ของเขาเขียนเรียงความของเขา เมื่ออายุได้เก้าขวบ เขามีงานเล็กๆ มากมายและโอเปร่าทั้งหมดสองเรื่อง: The Giant และ On the Deserted Islands แม่ของเขาสอนให้เขาเล่นเปียโนตั้งแต่อายุ 5 ขวบ ตั้งแต่อายุ 10 ขวบ เขาเรียนบทเรียนส่วนตัวจากนักแต่งเพลง R. Gliere เป็นประจำ

ปีการศึกษา

ตอนอายุ 13 เขาเข้าไปในเรือนกระจกซึ่งเขาเรียนกับนักดนตรีที่โดดเด่นของเวลาของเขา: N. A. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, N. Cherepnin ที่นั่นเขาได้พัฒนาความสัมพันธ์ฉันมิตรกับ N. Myaskovsky ในปี ค.ศ. 1909 เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนสอนดนตรีในฐานะนักแต่งเพลง จากนั้นจึงอุทิศเวลาอีกห้าปีในการเรียนรู้ศิลปะการเปียโน จากนั้นเขาก็ศึกษาอวัยวะต่อไปอีก 3 ปี สำหรับความสำเร็จพิเศษในการศึกษา เขาได้รับรางวัลเหรียญทองและรางวัลสำหรับพวกเขา ก. รูบินสไตน์. ตั้งแต่อายุ 18 เขาได้ทำกิจกรรมคอนเสิร์ตแล้ว แสดงเป็นศิลปินเดี่ยวและเป็นผู้เรียบเรียงเพลงของตัวเอง

ช่วงต้น Prokofiev

ผลงานช่วงแรกๆ ของ Prokofiev ทำให้เกิดการโต้เถียงกันมากมาย ทั้งได้รับการยอมรับอย่างสุดใจหรือวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง ตั้งแต่ก้าวแรกในวงการดนตรี เขาได้ประกาศตัวเองว่าเป็นผู้ริเริ่ม เขาใกล้ชิดกับบรรยากาศการแสดงละคร การแสดงละครเพลง และในฐานะผู้ชายคนหนึ่งที่ชื่อโปรโคฟีเยฟชอบความสดใส เขาชอบที่จะดึงดูดความสนใจให้กับตัวเอง ในช่วงทศวรรษที่ 1910 เขาได้รับสมญานามว่าเป็นนักดนตรีแห่งอนาคตเพราะรักในความอุกอาจ สำหรับความปรารถนาที่จะทำลายศีลคลาสสิก แม้ว่าผู้แต่งจะไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นผู้ทำลาย เขาซึมซับประเพณีดั้งเดิมแบบออร์แกนิก แต่มองหารูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ อยู่ตลอดเวลา ในงานแรก ๆ ของเขายังมีการร่างคุณลักษณะที่โดดเด่นอีกอย่างของงานของเขา - นี่คือบทกวี นอกจากนี้ ดนตรีของเขายังมีพลังงานมหาศาล การมองโลกในแง่ดี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการประพันธ์เพลงแรกของเขา ความสุขที่ไม่รู้จบของชีวิต อารมณ์ที่วุ่นวายนั้นชัดเจน การผสมผสานของคุณสมบัติเฉพาะเหล่านี้ทำให้เพลงของ Prokofiev สดใสและไม่ธรรมดา คอนเสิร์ตแต่ละครั้งของเขากลายเป็นมหกรรม ตั้งแต่ต้น Prokofiev สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษวงจรเปียโน "Sarcasms", "Toccata", "Delusion", เปียโนโซนาตาหมายเลข 2, คอนแชร์โตสองรายการสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, ซิมโฟนีหมายเลข 1 ในตอนท้ายของปี 1920 เขาได้พบกับ Diaghilev และเริ่มเขียนบัลเล่ต์ให้เขา ประสบการณ์ครั้งแรก - "Ala และ Lolly" ถูกปฏิเสธโดย impresario เขาแนะนำให้ Prokofiev "เขียนเป็นภาษารัสเซีย" และคำแนะนำนี้กลายเป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญที่สุด ชี้ชีวิตผู้แต่ง

อพยพ

หลังจากเรียนจบจากเรือนกระจก Sergei Prokofiev จะเดินทางไปยุโรป เยี่ยมชมลอนดอน, โรม, เนเปิลส์ เขารู้สึกว่าเขาคับแคบในกรอบเก่า เวลาปฏิวัติที่มีปัญหา ความยากจน และความกังวลทั่วไปเกี่ยวกับปัญหาในชีวิตประจำวันในรัสเซีย การเข้าใจว่าไม่มีใครต้องการดนตรีของเขาในบ้านเกิดของเขาในวันนี้ นำนักแต่งเพลงไปสู่แนวคิดเรื่องการย้ายถิ่นฐาน ในปีพ.ศ. 2461 เขาเดินทางไปโตเกียว จากนั้นจึงย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา หลังจากอาศัยอยู่ในอเมริกาเป็นเวลาสามปี ซึ่งเขาทำงานและท่องเที่ยวเป็นจำนวนมาก เขาย้ายไปยุโรป ที่นี่เขาไม่เพียงแต่ทำงานหนักเท่านั้น เขายังมาทัวร์สหภาพโซเวียตถึงสามครั้ง ซึ่งเขาไม่ถือว่าเป็นผู้อพยพ สันนิษฐานว่า Prokofiev เดินทางไปทำธุรกิจในต่างประเทศเป็นเวลานาน แต่ยังคงเป็นพลเมืองโซเวียต เขาปฏิบัติตามคำสั่งของรัฐบาลโซเวียตหลายประการ: ห้องชุด "ร้อยโท Kizhi", "Egyptian Nights" ในต่างประเทศเขาร่วมมือกับ Diaghilev สนิทกับ Rachmaninov สื่อสารกับ Pablo Picasso ที่นั่นเขาแต่งงานกับ Lina Codina ชาวสเปนซึ่งมีลูกชายสองคน ในช่วงเวลานี้ Prokofiev ได้สร้างผลงานที่เป็นผู้ใหญ่และเป็นต้นฉบับขึ้นมามากมาย ซึ่งทำให้ชื่อเสียงไปทั่วโลกของเขา ผลงานดังกล่าว ได้แก่ บัลเล่ต์ "Jester", "Prodigalลูกชาย" และ "นักพนัน" ซิมโฟนีที่ 2, 3 และ 4 สองคอนแชร์โตเปียโนที่สว่างที่สุด, โอเปร่า "Love for Three Oranges" ถึงเวลานี้ พรสวรรค์ของ Prokofiev เติบโตขึ้นและกลายเป็นต้นแบบของดนตรีแห่งยุคใหม่ รูปแบบการแต่งเพลงที่เฉียบคม เข้มข้น และเปรี้ยวจี๊ดของนักดนตรีทำให้การประพันธ์ของเขาน่าจดจำ

กลับ

ในช่วงต้นทศวรรษ 30 งานของ Prokofiev กลายเป็นปานกลางมากขึ้น เขาพบกับความคิดถึงอย่างแรงกล้า เริ่มคิดถึงการกลับมา ในปีพ. ศ. 2476 เขาและครอบครัวมาที่สหภาพโซเวียตเพื่อพำนักถาวร ต่อจากนี้เขาจะไปต่างประเทศได้เพียงสองครั้งเท่านั้น แต่ชีวิตสร้างสรรค์ของเขาในช่วงเวลานี้มีความเข้มข้นสูงสุด ผลงานของ Prokofiev ซึ่งปัจจุบันเป็นปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ กลายเป็นภาษารัสเซียอย่างชัดเจน ได้ยินลวดลายประจำชาติเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ สิ่งนี้ทำให้เพลงต้นฉบับของเขามีความลึกซึ้งและมีลักษณะเฉพาะมากขึ้น

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 Prokofiev ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่า "สำหรับพิธีการ" โอเปร่าที่ไม่ได้มาตรฐานของเขา "The Tale of a Real Man" ไม่เข้ากับศีลของโซเวียต นักแต่งเพลงป่วยในช่วงเวลานี้ แต่ยังคงทำงานอย่างหนักเกือบตลอดเวลาอาศัยอยู่ในประเทศ เขาหลีกเลี่ยงเหตุการณ์ที่เป็นทางการทั้งหมดและระบบราชการทางดนตรีทำให้เขาถูกลืมเลือนการดำรงอยู่ของเขาแทบจะมองไม่เห็นในวัฒนธรรมโซเวียตในสมัยนั้น และในเวลาเดียวกันนักแต่งเพลงยังคงทำงานหนักเขียนโอเปร่า "The Tale of the Stone Flower", oratorio "On Guard of the World", การแต่งเปียโน ในปี พ.ศ. 2495 ซิมโฟนีที่ 7 ของเขาได้แสดงในห้องแสดงคอนเสิร์ตของกรุงมอสโกซึ่งเป็นครั้งสุดท้ายผลงานที่ผู้เขียนได้ยินจากเวที ในปี 1953 ในวันเดียวกับที่สตาลิน Prokofiev เสียชีวิต การตายของเขาผ่านไปโดยไม่มีใครสังเกตเห็นสำหรับประเทศ เขาถูกฝังอย่างเงียบ ๆ ที่สุสานโนโวเดวิชี

สไตล์ดนตรีของ Prokofiev

นักประพันธ์พยายามเล่นดนตรีทุกแนว เขาพยายามค้นหารูปแบบใหม่ๆ ทดลองมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงอายุยังน้อย โอเปร่าของ Prokofiev นั้นสร้างสรรค์มากสำหรับช่วงเวลาของพวกเขาจนผู้ชมออกจากห้องโถงไปพร้อมกันในวันที่รอบปฐมทัศน์ เป็นครั้งแรกที่เขายอมให้ตัวเองละทิ้งบทกลอนและสร้างสรรค์ผลงานทางดนตรีจากผลงานเช่น สงครามและสันติภาพ เป็นต้น การประพันธ์เพลงแรกของเขา "A Feast in the Time of Plague" ได้กลายเป็นตัวอย่างของการใช้เทคนิคและรูปแบบทางดนตรีแบบดั้งเดิมอย่างกล้าหาญ เขาผสมผสานเทคนิคการบรรยายเข้ากับจังหวะดนตรีอย่างกล้าหาญ ทำให้เกิดเสียงโอเปร่าใหม่ บัลเล่ต์ของเขามีความดั้งเดิมมากจนนักออกแบบท่าเต้นเชื่อว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะเต้นไปกับดนตรีแบบนี้ แต่พวกเขาค่อย ๆ เห็นว่านักแต่งเพลงพยายามที่จะถ่ายทอดลักษณะภายนอกของตัวละครด้วยความจริงทางจิตวิทยาที่ลึกซึ้งและเริ่มแสดงบัลเล่ต์ของเขาเป็นจำนวนมาก คุณลักษณะที่สำคัญของ Prokofiev ที่เป็นผู้ใหญ่คือการใช้ประเพณีดนตรีระดับชาติซึ่งครั้งหนึ่งเคยประกาศโดย M. Glinka และ M. Mussorgsky ลักษณะเด่นของการเรียบเรียงของเขาคือพลังงานมหาศาลและจังหวะใหม่: คมชัดและแสดงออก

มรดกโอเปร่า

ตั้งแต่อายุยังน้อย Sergei Prokofiev หันไปใช้รูปแบบดนตรีที่ซับซ้อนเช่นโอเปร่า เมื่อยังเป็นชายหนุ่ม เขาเริ่มทำงานในเนื้อเรื่องโอเปร่าคลาสสิก: Ondine (1905), A Feast in the Time of Plague (1908), Maddalena (1911) ในนั้นผู้แต่งทำการทดลองอย่างกล้าหาญโดยใช้ความเป็นไปได้ของเสียงมนุษย์ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 ประเภทของโอเปร่าประสบกับวิกฤตอย่างเฉียบพลัน ศิลปินหลักไม่ได้ทำงานในประเภทนี้อีกต่อไป ไม่เห็นความเป็นไปได้ในการแสดงออกซึ่งจะทำให้พวกเขาแสดงแนวคิดสมัยใหม่ใหม่ๆ โอเปร่าของ Prokofiev กลายเป็นความท้าทายที่ยิ่งใหญ่สำหรับการแสดงคลาสสิก ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ "The Gambler", "Love for Three Oranges", "Fiery Angel", "War and Peace" ปัจจุบันเป็นมรดกที่มีค่าที่สุดของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ผู้ฟังและนักวิจารณ์สมัยใหม่เข้าใจถึงคุณค่าของการเรียบเรียงเหล่านี้ สัมผัสท่วงทำนองที่ลึกล้ำ จังหวะ และแนวทางพิเศษในการสร้างตัวละคร

บัลเลต์ของโปรโคฟีเยฟ

คีตกวีมีความใฝ่ฝันในโรงละครมาตั้งแต่เด็ก เขาได้นำเอาองค์ประกอบของการละครมาใส่ในผลงานหลายๆ อย่างของเขา ดังนั้นการเปลี่ยนไปใช้รูปแบบของบัลเล่ต์จึงค่อนข้างสมเหตุสมผล ความคุ้นเคยกับ Sergei Diaghilev กระตุ้นให้นักดนตรีเขียนบัลเล่ต์เรื่อง The Tale of the Jester Who Outwitted Seven Jesters (1921) งานนี้จัดแสดงในองค์กรของ Diaghilev เช่นเดียวกับงานต่อไปนี้: "Steel lope" (1927) และ "The Prodigal Son" (1929) ดังนั้นนักแต่งเพลงบัลเล่ต์ใหม่ที่โดดเด่นจึงปรากฏตัวขึ้นในโลก - Prokofiev บัลเล่ต์ "Romeo and Juliet" (1938) กลายเป็นจุดสุดยอดของงานของเขา วันนี้ งานนี้จัดแสดงในโรงภาพยนตร์ที่ดีที่สุดในโลก ต่อมาเขาสร้างผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นหนึ่ง - บัลเล่ต์ "ซินเดอเรลล่า" Prokofiev สามารถตระหนักถึง.ของเขาเนื้อเพลงและทำนองที่ซ่อนอยู่ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา

โรมิโอกับจูเลียต

ในปี 1935 นักแต่งเพลงได้ใช้เนื้อเรื่องคลาสสิกของเช็คสเปียร์ เป็นเวลาสองปีที่เขาเขียนองค์ประกอบประเภทใหม่ ดังนั้นแม้แต่ในเนื้อหาดังกล่าว ผู้ริเริ่ม Prokofiev ก็ปรากฏตัวขึ้น บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" เป็นละครออกแบบท่าเต้นที่นักแต่งเพลงเบี่ยงเบนไปจากศีลที่กำหนดไว้ ประการแรก เขาตัดสินใจว่าตอนจบของเรื่องจะมีความสุข ซึ่งไม่สอดคล้องกับแหล่งวรรณกรรมเลย ประการที่สอง เขาตัดสินใจที่จะไม่เน้นที่จุดเริ่มต้นการเต้น แต่เน้นที่จิตวิทยาของการพัฒนาภาพ วิธีการนี้ไม่ธรรมดามากสำหรับนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดง ดังนั้นเส้นทางของบัลเล่ต์สู่เวทีจึงใช้เวลานานถึงห้าปี

ซินเดอเรลล่า

บัลเลต์ "ซินเดอเรลล่า" โปรโคฟีเยฟเขียนมาเป็นเวลา 5 ปี ซึ่งเป็นผลงานที่ไพเราะที่สุดของเขา ในปีพ.ศ. 2487 การแต่งเพลงเสร็จสมบูรณ์และอีกหนึ่งปีต่อมาได้จัดแสดงที่โรงละครบอลชอย งานนี้โดดเด่นด้วยภาพทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนดนตรีมีความจริงใจและความหลากหลายที่ซับซ้อน ภาพลักษณ์ของนางเอกถูกเปิดเผยผ่านประสบการณ์ที่ลึกซึ้งและความรู้สึกที่ซับซ้อน การเสียดสีของผู้แต่งแสดงออกในการสร้างภาพของข้าราชบริพาร แม่เลี้ยงและลูกสาวของเธอ การจัดรูปแบบนีโอคลาสสิกของอักขระเชิงลบได้กลายเป็นคุณลักษณะเพิ่มเติมขององค์ประกอบที่แสดงออก

ซิมโฟนี

โดยรวมแล้ว นักแต่งเพลงได้แต่งเพลงซิมโฟนีทั้งเจ็ดในชีวิตของเขา ในงานของเขา Sergei Prokofiev แยกสายหลักสี่สายออก แบบแรกเป็นแบบคลาสสิกซึ่งเชื่อมโยงกับการทำความเข้าใจหลักการคิดทางดนตรีแบบดั้งเดิม เป็นบรรทัดนี้ที่แสดงโดย Symphony No. 1 ใน D major ซึ่งผู้เขียนเรียกมันว่า "คลาสสิก" บรรทัดที่สองเป็นนวัตกรรมที่เชื่อมโยงกับการทดลองของผู้แต่ง ซิมโฟนีหมายเลข 2 ใน D minor เป็นของมัน ซิมโฟนี 3 และ 4 วงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละคร 5 และ 6 ปรากฏเป็นผลมาจากประสบการณ์ทางทหารของนักแต่งเพลง The Seventh Symphony ได้กลายมาเป็นภาพสะท้อนของชีวิต ความปรารถนาในความเรียบง่าย

ดนตรีบรรเลง

มรดกของผู้แต่ง - คอนแชร์โตมากกว่า 10 เพลง โซนาต้าประมาณ 10 บท บทละครมากมาย บทประพันธ์ บทประพันธ์ บรรทัดที่สามของงานของ Prokofiev เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นงานบรรณาการ ซึ่งรวมถึงคอนแชร์โตไวโอลินชุดแรก ผลงาน "Dreams", "Legends", "Grandmother's Tales" ในสัมภาระที่สร้างสรรค์ของเขา มีโซนาต้าที่เป็นนวัตกรรมใหม่สำหรับไวโอลินเดี่ยวใน D major ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1947 การประพันธ์เพลงในช่วงเวลาต่างๆ สะท้อนให้เห็นถึงวิวัฒนาการของวิธีการสร้างสรรค์ของผู้แต่ง ตั้งแต่นวัตกรรมที่เฉียบคมไปจนถึงการแต่งบทเพลงและความเรียบง่าย Flute Sonata No. 2 ของเขาเป็นเพลงคลาสสิกสำหรับนักแสดงหลายคนในปัจจุบัน โดดเด่นด้วยความไพเราะ จิตวิญญาณ และจังหวะลมอ่อนๆ

งานเปียโนของ Prokofiev เป็นส่วนสำคัญในมรดกของเขา รูปแบบดั้งเดิมของพวกเขาทำให้การแต่งเพลงเป็นที่นิยมอย่างมากกับนักเปียโนทั่วโลก

งานอื่นๆ

นักแต่งเพลงในงานของเขาหันไปใช้รูปแบบดนตรีที่ใหญ่ที่สุด: cantatas และ oratorios cantata แรก "เจ็ดของพวกเขา" เขียนโดยเขาในปี 1917 ในข้อของ K. Balmont และกลายเป็นการทดลองที่สดใส ต่อมาเขาได้เขียนผลงานสำคัญอีก 8 ชิ้น รวมทั้งเพลง cantata "Songs of Our Days", the oratorio "On Guard for Peace"งานของ Prokofiev สำหรับเด็กถือเป็นบทพิเศษในงานของเขา ในปี 1935 Natalya Sats เชิญเขาให้เขียนอะไรบางอย่างให้กับโรงละครของเธอ Prokofiev ตอบสนองด้วยความสนใจต่อแนวคิดนี้และสร้างเทพนิยายไพเราะที่มีชื่อเสียง "Peter and the Wolf" ซึ่งกลายเป็นการทดลองที่ผิดปกติของผู้แต่ง ชีวประวัติของนักแต่งเพลงอีกหน้าหนึ่งคือเพลงของ Prokofiev สำหรับภาพยนตร์ ผลงานของเขาประกอบด้วยภาพวาด 8 ภาพ ซึ่งแต่ละภาพได้กลายเป็นงานไพเราะที่จริงจัง

หลังปีค.ศ. 1948 นักแต่งเพลงอยู่ในวิกฤตสร้างสรรค์ การประพันธ์เพลงในช่วงนี้ไม่ค่อยประสบความสำเร็จ ยกเว้นบางเพลง ผลงานของผู้แต่งในปัจจุบันได้รับการยอมรับว่าเป็นงานคลาสสิก มีการศึกษาและดำเนินการเป็นจำนวนมาก