เท็กซ์เจอร์ในเพลงคือ ความหมายและประเภทของเท็กซ์เจอร์ในเพลง

2024 ผู้เขียน: Leah Sherlock | [email protected]. แก้ไขล่าสุด: 2023-12-17 05:50

ทฤษฎีดนตรีเต็มไปด้วยคำศัพท์ที่น่าสนใจ ในแต่ละยุคสมัย แนวทางใหม่ในการปรับปรุงและปรับแต่งดนตรีให้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวปรากฏขึ้น ซึ่งได้รับอิทธิพลจากผู้แต่ง นักแสดง และผู้ชม หลายประเภทและประเภทย่อย สไตล์ และธีม เพื่อไม่ให้สับสนในความอุดมสมบูรณ์นี้ มีการจำแนกการแต่งเพลงตามพื้นผิว

ดนตรีและศิลปะที่เสถียร

เพื่อให้เข้าใจทฤษฎีเพิ่มเติม คุณต้องจำหรือศึกษาแนวคิดของการแต่งเพลง คำนี้แสดงถึงความสมบูรณ์ของงานซึ่งเป็นรูปแบบเฉพาะ แยกแยะ "บทประพันธ์" ที่เสร็จสิ้นแล้วจากสิ่งที่สร้างขึ้นในกระบวนการสร้างสรรค์ของผู้คน หรือการแสดงด้นสด (เช่น ในดนตรีแจ๊ส)

การเรียบเรียงมักจะมีผู้สร้างที่เฉพาะเจาะจง นักแต่งเพลงผู้จัดเตรียมโครงสร้างเสียงแก้ไขงานเป็นลายลักษณ์อักษร โน้ตจะดำเนินการโดยใช้โน้ตดนตรีหรือสัญญาณประกอบ ควรมีการระบุผู้แต่งตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 ในองค์ประกอบที่สร้างขึ้นแต่ละรายการ หากรู้จักผู้สร้าง

การเรียบเรียงมีความเสถียรเหมือนงานที่ทำเสร็จแล้วและมีการกำหนดไว้อย่างดี โทนเสียง ขนาด จังหวะ - ทุกอย่างคงที่และไม่ได้รับผลกระทบจากการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ โดยปกติงานแต่ละงานต้องการประสิทธิภาพการทำงานบางอย่าง นี่คือที่มาของพื้นผิว

แนวคิดของเท็กซ์เจอร์

วงการเพลงกำลังพัฒนา แคนนอนใหม่ๆ และเทรนด์ใหม่ๆ ปรากฏขึ้นที่ส่งผลต่อสไตล์ รูปแบบ และธรรมชาติของการแต่งเพลง ดังนั้น เท็กซ์เจอร์ในดนตรีคือการนำเสนอเนื้อหาแก่ผู้ฟังในรูปแบบเฉพาะ ซึ่งจะสะท้อนถึงความเป็นจริงที่บรรยายด้วยเสียง พื้นผิวคือตัวเชื่อมหลักระหว่างความคิดของผู้เขียนกับการรับรู้ของผู้อื่น

คำนี้มาจากภาษาละติน แปลว่า “การออกแบบ”, “โครงสร้าง”, “การประมวลผล” พื้นผิวในเพลงเป็นคำจำกัดความของภาพ คุณสามารถเปรียบเทียบกับการสร้างผลิตภัณฑ์จากผ้าได้: ผ้าดนตรีต้องมีการประมวลผลด้วยจึงจะสมบูรณ์และสมบูรณ์

ตัวเลือกต่างกันอย่างไร

แต่ละงานมีธีมและจุดสนใจ เนื่องจากงานนี้เป็นเพียงการรับรู้เท่านั้น คุณจึงต้องถ่ายทอดอารมณ์และสถานการณ์ให้ถูกต้องที่สุด พูดคร่าวๆเพื่อให้เห็นภาพชัดเจน

เช่น นักแต่งเพลงแต่งเพลงกล่อมเด็ก มีท่วงทำนอง ดนตรีประกอบ แต่สามารถใช้ในเพลงทหารหรือเพลงประกอบการเต้นได้เช่นกัน จำเป็นต้องให้สีของความสงบเงียบและสว่างแก่พวกเขา ดังนั้นจะไม่ใช้จังหวะกระตุก เสียงเลกาโตและเสียงต่ำจะให้ความสำคัญเป็นอันดับแรก ไม่มีเสียง "เอี๊ยด" และเคลื่อนไหวกะทันหัน

แสดงอารมณ์ใด ๆ ด้วยเครื่องดนตรี เป่าขลุ่ยผิวปากจะสื่อถึงความสว่างและความปิติได้ดีที่สุด เชลโลที่หนักหน่วงสามารถแสดงความเศร้าโศกและการไว้ทุกข์ กลองกลองและระฆังเพิ่มความยิ่งใหญ่ พื้นผิวในดนตรีเป็นผลจากจินตนาการของผู้เขียน

การจำแนกพื้นผิวพื้นฐาน

ส่วนพื้นฐานที่สุด คือ เท็กซ์เจอร์หลักสองประเภทในดนตรี มีลักษณะตามจำนวนเสียงที่ใช้

• Monodic เป็นพื้นผิวประเภทหนึ่งที่ใช้การเคลื่อนไหวด้วยเสียงเดียว เราสามารถพูดได้ว่านี่คือ "มิติแนวนอน" เนื่องจากไม้เท้าแสดงให้เห็นเส้นทึบโดยไม่มีกิ่งก้านในรูปแบบของคอร์ด ตัวอย่างอาจเป็นบทสวดเกรกอเรียนหรือความคิดสร้างสรรค์ของชนชาติที่ไม่รู้จักโพลีโฟนี



• Polyphonic - ประเภทที่มีเสียงพูดพร้อมกันอย่างน้อย 2 เสียง นั่นคืออาจมีสามหรือสี่บรรทัดที่ไพเราะ แต่ไม่มีบรรทัดเดียว และแต่ละบรรทัดก็มีทำนองที่เป็นอิสระ Polyphony มีลักษณะเฉพาะด้วยจำนวนเสียงที่คงที่ การเปลี่ยนจากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่งเป็นไปอย่างราบรื่น ปริมาณจะควบคุมความหนาแน่นขององค์ประกอบหรือ "ความโปร่งใส" - เสียงที่หายากยิ่งขึ้น

ไม่มีที่สามเหรอ

ต่างจากคำหลายๆ คำที่มีสองขั้วเท่านั้น ที่นี่ยังมีพื้นผิวที่แตกต่างกัน นี่คือ "ความทันสมัย" ของการนำเสนอแบบโมโนดิกเมื่อสามารถเพิ่มเทคนิคโพลีโฟนิกเพื่อให้ได้เสียงที่น่าสนใจยิ่งขึ้น การร้องเพลงพร้อมเพรียงกันในบางครั้งยากขึ้นรูปแบบสองเสียง ท่วงทำนองจะมาพร้อมกับจังหวะ. ปรากฎว่านี่เป็นตัวเลือกกลางๆ

ประเภทของพื้นผิวโพลีโฟนิก

โพลีโฟนีในดนตรีเรียกว่าโพลีโฟนี (Polyphony) ซึ่งมีความเชื่อมโยงกันตามธีมและจังหวะของเสียง ในด้านพื้นผิว จะแบ่งออกเป็นประเภท:

1. เนื้อร้องประสานเสียงหมายถึงการนำเสียงทั้งหมดตามรูปแบบจังหวะเดียว นั่นคือ ทำนองเพลงจะเคลื่อนไปในระยะเวลาเดียวกัน โดยไม่ถูกแบ่งออกเป็นแนวฮาร์โมนิกที่ซับซ้อน
2. Mensural canons หรือ polyphony ที่เสริมกัน ถูกกำหนดโดยเลเยอร์เล็กๆ ของเสียงที่มีความคล้ายคลึงกันในหัวข้อแต่เคลื่อนไหวอย่างอิสระ กล่าวคือเฉพาะทิศทางการเคลื่อนที่ของท่วงทำนองเท่านั้น ซึ่งระยะเวลาสามารถแบ่งออกเป็นหลาย ๆ จังหวะ และจังหวะของเสียงหนึ่งไม่ได้ขึ้นอยู่กับอีกเสียงหนึ่ง
3. พื้นผิวที่มีสีเข้มหลายส่วนทำให้เกิดพื้นผิวที่ดูแปลกตา ผสมผสานส่วนที่ไม่เข้ากันเข้าด้วยกัน เป็นที่นิยมในต้นศตวรรษที่ 20 เท่านั้น
4. เนื้อสัมผัสของโพลิโฟนีเชิงเส้นมาจากเสียงหลายเสียงที่ไม่เข้ากับจังหวะและความกลมกลืน ท่วงทำนองนี้สร้างขึ้นจากการเคลื่อนไหวต่อเนื่องของเสียงของระดับเสียงที่แตกต่างกัน
5. พลีโฟนีของเลเยอร์ - โพลีโฟนิกซ้ำซ้อนที่สร้างความไม่ลงรอยกัน
6. "พื้นผิวปลายแหลมที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งสามารถอธิบายได้ง่ายกว่าว่าเป็น 'กระตุก'" สายหลักไม่ได้ส่งในรูปแบบของแรงจูงใจ แต่ในเสียงกระตุกที่มีการแพร่กระจายขนาดใหญ่ นั่นคือเสียงกะพริบสว่างๆ ระหว่างการหยุดยาวๆ
7. พื้นผิวของแรงโน้มถ่วงแบบโพลีโฟนิกนั้นตรงกันข้ามกับพื้นผิวก่อนหน้าอย่างสิ้นเชิง มันเป็นตัวแทนของเสียงออเคสตราเต็มรูปแบบ
8. ผลกระทบจากลมเป็นองค์ประกอบของโอกาส การจัดองค์ประกอบตามวิธี "ล็อต" เมื่อโน้ตรวมกันกระจายอยู่บนคาน บ่อยครั้ง ผู้เขียนจะบันทึกเฉพาะจุดอ้างอิงหลัก ซึ่งผู้แสดงจะเริ่มจากนั้นก็ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของเขา
9. พื้นผิวของเอฟเฟกต์เสียงเปลี่ยนความสนใจไปที่การเปลี่ยนโทนสี สีสัน หรือความกลมกลืน ความสว่างของเสียงส่งผ่านเสียง การเปลี่ยนแปลงของเสียงต่ำ เอฟเฟกต์เสียงและสีสันถูกสร้างขึ้น

การประสานกัน

การรวมกันระหว่าง "ใบแจ้งหนี้และคลังสินค้า" นั้นแบ่งแยกไม่ได้ ด้านนี้คือความสามัคคี มันเกี่ยวข้องกับใบแจ้งหนี้หลายประเภท แต่ยังแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก:

• homophonic-harmonic โดดเด่นด้วยการแยกรูปแบบทำนองไพเราะออกมาอย่างชัดเจน: ธีมหลัก, ดนตรีประกอบ, ธีมเพิ่มเติม;
• คอร์ด ซึ่งเสียงทั้งหมดมีระยะเวลาเท่ากัน และเนื้อสัมผัสนั้นมีหลายจังหวะ

ประเภทของพื้นผิวฮาร์โมนิก

1. ประเภทคอร์ดเป็นรูปเป็นร่าง - เสียงคอร์ดจะถูกเล่นสลับกัน
2. ประเภทจังหวะ - การซ้ำคอร์ดหรือพยัญชนะซ้ำๆ
3. ซ้ำ - ในอ็อกเทฟ ในอีกห้า ช่วงเวลาอื่นๆ สร้างการเคลื่อนไหวที่ราบรื่นของเสียงที่สัมพันธ์กัน
4. เนื้อสัมผัสไพเราะประเภทต่างๆ ตามการเคลื่อนไหวของเสียง ตัวอย่างเช่น เสียงเสริมหรือเสียงเพิ่มเติมในคอร์ดที่ทำให้การเรียบเรียงซับซ้อน

แต่นี่เป็นการจำแนกประเภททั่วไปที่สุด ซึ่งแต่ละจุดนั้นไม่ค่อยพบแยกจากกัน กล่าวคือ ดนตรีถูกเจือจางด้วยการแยกจากกันเทคนิค ลักษณะโวหาร ที่นำมาจากพื้นผิวประเภทต่างๆ แต่ละยุคมีลักษณะเฉพาะที่เรียกว่าชิปที่แตกต่างกัน

จุดเริ่มต้นของความเก่งกาจ

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาเท็กซ์เจอร์ในดนตรีคือการแสดง ความกลมกลืน การเรียบเรียง และที่สำคัญที่สุดคือ การแต่งเพลง นักแต่งเพลงบางคนมีผลกระทบอย่างมากต่อความหลากหลายของพื้นผิวในงาน

ในศตวรรษที่ 17 แผนกต้อนรับและโกดังค่อนข้างเรียบง่ายและมีเหตุผลมาก ใช้ส่วนผสมของพื้นผิวฮาร์มอนิกและโพลีโฟนิก - โพลีโฟนีที่มีเลย์เอาต์ต่างๆ ทางเดินและ arpeggios เป็นที่นิยม การบรรเลงด้วย Arpeggiated สร้างอารมณ์ที่เหมาะสมในขณะที่ไม่กดที่หูด้วยความลึกของคอร์ดหนัก พื้นผิวของอุปกรณ์เสริมในกรณีนี้เหมาะอย่างยิ่งกับธีมหลักและไม่จำเป็นต้องใช้วิธีการอื่น I. S. ใช้วิธีนี้อย่างแข็งขัน ตัวอย่างเช่น Bach ใน Goldberg Variations นักประพันธ์เพลงในยุคโรแมนติกคนอื่นๆ ต่างก็มีความโดดเด่นในตัวเองเช่นกัน: Georges Bizet, Giuseppe Verdi, Carl Czerny

โมสาร์ทมักใช้ "ฟิกเกอร์" อาร์เพจจิโอ มันดูคล่องแคล่ว ร่าเริง และเฉียบคม มันสะดวกตรงที่มันสื่อถึงความสามัคคีอย่างชัดเจนและสร้างจังหวะที่แน่นอนโดยไม่ต้องกระโดด ดนตรีแนวโรแมนติกของออสเตรียมีลักษณะเป็นแสง แดดจ้า และไม่มีภาระหนักเนื่องจากเนื้อสัมผัส ใช้ทั้งเส้นที่ขาดและเส้นตรง

เปลี่ยนไปสู่ความสดใส

เมื่อมีการแนะนำนวัตกรรม จินตนาการของผู้แต่งผลงานก็ขยายตัว ในศตวรรษที่ 19 มีพื้นผิวหลายประเภทอย่างน้อยสามเท่า เพราะประเภทต่างๆรายละเอียดแบบผสม นำมาใช้และรวมกัน การจัดเตรียมดนตรีใหม่ทั้งหมดปรากฏขึ้น โกดังฮาร์โมนิกมีความนุ่มนวลและไพเราะมากขึ้น และการแสดงออกไม่ได้ถูกถ่ายทอดด้วยชุดเสียง แต่ด้วยลำดับและตำแหน่ง

ตัวอย่างที่โดดเด่นคือ F. Liszt ซึ่งใช้การนำเสนอแบบผสมผสานในละคร เช่น "Grey Clouds" และ "Years of Wanderings" และ "Poetic and Religious Harmonies" ในรอบทั้งหมด ระดับเสียงของคอร์ดค่อยๆ จางหายไปในแบ็คกราวด์ มีเนื้อเสียงปรากฏขึ้น ซึ่งเริ่มแพร่หลายใน Mussorgsky

ควรแยกเพลงของโชแปงที่ใช้เนื้อเปียโนแยกจากกัน กลอุบายที่เขาโปรดปราน ได้แก่ เทคนิคอ็อกเทฟและการเล่นเครื่องชั่งอย่างคล่องแคล่ว ในเพลงวอลทซ์ของเขา ("Brilliant W altz", W altz in A minor) เขาได้แพร่ภาพร่างฮาร์โมนิก แยกออกเป็นแถวยาวของเสียง งานดังกล่าวต้องใช้เทคนิคที่มีประสิทธิภาพสูง แต่ง่ายต่อการฟังและรับรู้ ในส่วนด้านข้างของ "เพลงบัลลาดแรกสำหรับเปียโน" ผู้แต่งได้แนะนำโกดังโพลีโฟนิกอย่างครบถ้วนในความกลมกลืน

ช่วงเวลาแห่งนวัตกรรม

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 เป็นเครื่องหมายแห่งการเปลี่ยนผ่านจากรูปแบบดั้งเดิมไปสู่รูปแบบใหม่ที่สมบูรณ์และไม่ได้มาตรฐาน ดังนั้นยุคนี้จึงมีลักษณะที่แตกต่างจากพื้นผิวฮาร์มอนิกและโพลีโฟนิก จะกลายเป็น unbound แบ่งออกเป็นชั้น พลวัตและลักษณะเสียงแผ่กระจายไปทั่วกลายเป็นนิสัยในผลงานของศิลปินแนวหน้า K. Stockhausen, L. Berio และ P. Boulez มักจะมีการควบคุม aleatoric นั่นคือพื้นผิวชั่วคราว มีจำนวนจำกัดจังหวะและขีดจำกัดของระดับเสียง การเคลื่อนไหวนี้ดูแลโดย V. Lutoslavsky

การขึ้นรูปมีบทบาทสำคัญ เนื่องจากในพื้นผิวที่ขาดและกระจัดกระจาย การรักษาโครงสร้างที่สอดคล้องกันขององค์ประกอบจึงเป็นสิ่งสำคัญ แม้ว่าจะแยกความแตกต่างได้ไม่ดี แต่ภาพวาดก็สร้างภาพขึ้นมา วิธีการกำหนดประเภทของพื้นผิวในดนตรียุคใหม่เป็นคำถามเปิดสำหรับนักประวัติศาสตร์ศิลป์ เนื่องจากมีปฏิสัมพันธ์และแลกเปลี่ยนเทคนิคมากเกินไป

อารมณ์ อารมณ์…

จากทั้งหมดที่กล่าวมานี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าเนื้อสัมผัสในดนตรีประเภทใดเป็นตัวกำหนดอารมณ์และการตอบสนองที่ต้องการของผู้ฟังโดยตรง ในการถ่ายทอดสภาพจิตใจจะใช้รีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน:

• ต่ำส่งเสียงที่น่ากลัวและทรงพลังแสดงความลึกลับหรือการไว้ทุกข์ (ความมืด, กลางคืน, เสียงฝีเท้าหนัก, เสียงรถจักร, เสียงก้องของทหาร);
• ปานกลาง ที่ใกล้เคียงกับเสียงมนุษย์ ทำให้เกิดความสงบและเชื่องช้า (การบรรยาย กิจวัตร การพักผ่อน และการไตร่ตรอง)
• สูง เร้าใจ และสดใส ขึ้นอยู่กับเครื่องดนตรี มันสามารถเป็นได้ทั้งร่าเริงและตึงเครียด (กรีดร้องและกรีดร้อง, นกรัว, ระฆัง, การเคลื่อนไหวจุกจิก);

ด้วยการแจกจ่ายนี้ ดนตรีสามารถปรับให้เข้ากับการปลอบโยน ให้กำลังใจ หรือทำให้ผมของคุณเคลื่อนไหวด้วยความกลัว และการแก้ปัญหาพื้นผิวโดยตรงขึ้นอยู่กับเคสที่ใช้ในธีมหลัก

ดังนั้น การประมวลผล "ผ้า" ประเภทต่างๆ ขององค์ประกอบจึงช่วยให้ผู้คนรู้สึกถึงความรู้สึกของผู้แต่ง วาดภาพโลกในหัวเหมือนที่ปรากฏในสายตาของผู้แต่ง สัมผัสได้ถึงความเบาเพลิดเพลินกับเสียงเพลงของโชแปง ความเข้มแข็งของบทประพันธ์ของเบโธเฟน หรือความเคลื่อนไหวของ Rimsky-Korsakov พื้นผิวในดนตรีเป็นผู้สื่อสารผ่านยุคสมัยและการรับรู้ที่แตกต่างกัน